Suite à la demande de quelques uns de nos lecteurs, nous vous livrons ce petit tutoriel sur l'art de photographier la scène, les spectacles, les concerts : les pré-requis indispensables, les contraintes techniques et éthiques. Nous l'avons voulu assez complet, mais les commentaires, éventuelles omissions ou précisions seront appréciés de votre part.

Préambule :

La photographie de scène est un des aspects de la technique photographique le plus délicat, mêlant contrainte de temps, d'organisations, matériel, technique, nécessité du respect de l'artiste, du public et devoir de restitution d'un art mis en scène par le biais d'un autre art, celui de la photographie.

Car le photographe est avant tout là pour relater une prestation scénique déjà écrite et composée, ce qui n'exclut pas la créativité et l'inventivité...

- un réflex numérique

- un zoom type 70-200 (le plus lumineux possible, ouvrant à 2.8 si possible. Ce n'est pas indispensable mais c'est beaucoup mieux !).

- Le flash : il n'est couramment pas accepté  et de surcroît il gêne les artistes et le public. Sauf exception, il est à proscrire.

- La poignée "Grip", vous sera très utile à plusieurs titre : pour la prise en main des photos en mode portrait, d'autre part elle permet de ne pas se soucier de l'autonomie des batteries. Elle permet aussi l'ajout d'une carte mémoire sur certains modèles...

Autorisations :

La photographie de spectacle se pratique dans un cadre contraint et soumis à des règles.

Par respect pour les artistes, une autorisation, ou mieux une accréditation est souhaitable pour le spectacle photographié.

Autres possibilités : obtenir une accréditation afin de faire les prises de vue durant la balance.

Par respect pour les spectateurs cette fois, il est nécessaire de limiter ses déplacements à l'essentiel et de les anticiper. Certains spectateurs ont payé chers leur place pour se faire plaisir et non pas pour vous regarder prendre des photographies. Le professionalisme, ou l'amateurisme éclairé, s'exprime aussi dans sa capacité à réaliser un reportage tout en restant discret.

Un repérage préalable, quand la possibilité existe, est d'une grande utilité.

Avant le spectacle :

La préparation du boîtier est indispensable.

Faites votre "check-list" : rangement du sac, charge des batteries, accus supplémentaires, préparation de la carte mémoire... Il faut se souvenir que dans l'obscurité la plus complète, je dois être capable de mettre la main sur mon menu matériel sans chercher...

Autre pré-requis indispensable : Il est important de bien connaître son boîtier et ses réglages avant le spectacle.

•   Le boîtier doit être prêt : monté de préférence d'un zoom transtandard (type 70-200, 18-200) lumineux de préférence, d'une carte vierge d'une capacité suffisante.

• Le reflex est configuré pour que l'enregistrement des photographies se fasse obligatoirement en RAW. Les contraintes liés aux lumières sont trop nombreuses pour laisser l'appareil régler la balance des blancs par lui-même . S'il y a un domaine ou le format Jpeg est à proscrire, c'est bien celui de la photographie de spectacle. Le rendu JPEG peut parfois se révéler satisfaisant mais il est le plus souvent aléatoire. Le format RAW permet en post-traitement de corriger cette balance de façon parfaite. Il ne faut pas se priver de cette possibilité. 

• La mesure de la lumière est en spot. Les mesures pondérées ou matricielles de l'exposition sont le plus souvent à oublier pour la photo de concert.

N'oubliez pas que la monte d'un objectif, le remplacement d'une carte mémoire dans l'obscurité d'une salle et au milieu de la foule peut s'avérer une opération très délicate.

Quand le photographe entre en scène, il doit être fin prêt. Les considérations matérielles ont été bien entendu pensées avant.

Durant le spectacle

Les conditions de lumière sont souvent une vraie contrainte pour le photographe qui ne lui laisse pas une grande latitude pour opérer de vrais choix.

Une trop faible vitesse et c'est le risque du flou de bougé du photographe / ou un flou, non maîtrisé, généré par le mouvement des artistes en scène.

Le flou peut être intéressant mais il doit être contrôlé.

Le numérique apporte un avantage indéniable : pouvoir mdifier la sensibilité (ISO) de l'appareil en cours de session.

Il s'agit de composer avec.

En fonction de la salle, il est rare de pouvoir accomplir des prises de vue en dessous de 800 isos afin de garder une vitesse suffisante. Le plus couramment, je travaille à 1600 isos, voire 3200 isos.

A ce niveau de sensibilité, le bruit est manifeste. Les photographies ainsi produites restent avec les appareils de dernière génération d'une très belle qualité.

L'oeil du photographe

Une fois ces paramètres maîtrisés, reste la part de l'oeil du photographe. La part la plus intéressante et qui peut s'avérer créatives.

Si nous pouvions oser quelques conseils :

• rien ne sert de mitrailler, il faut déclencher à point, quand les conditions de lumière sont réunies. Comme en photographie animalière, la patience est nécessaire et il ne faut pas brûler toutes ses cartouches tout au début. Un spectacle  laisse suffisamment de temps pour faire de très bons clichés.

• Observer le jeu de la scène, les premiers plans, valoriser l'arrière-plan, le décor, la mise en scène. Un bon photographe de spectacle est celui aussi qui saura le mieux restituer la scénographie du spectacle en peu de clichés.

• Détecter les éléments intrusifs dans la composition de la photo qui non seulement n'apporteront rien mais gêneront sa lecture : il en a plus qu'on ne croit sur scène et il faut être photographe pour s'en apercevoir : les haut-parleurs de retour de scène, micros, pieds de micro, etc.

• Oser la variété des plans et ne pas négliger les plans d'ensemble. Le spectacle, ce n'est pas seulement se constituer un trombinoscope du Boys-band ou du Girls band qu'on révère.

Votre travail s'il a été accompli sérieusement, mérite une sauvegarde et un archivage, pensez-y.

Un logiciel de catalogage et de post-traitement des fichiers RAW tel que lightroom est indispensable. Un post-traitement même minimal est indispensable  pour obtenir un rendu satisfaisant. Cela commence bien évidemment par un travail, en lot, sur la balance des blancs...

Et puis le reste... Mais là, on entre dans un autre domaine !

Stanislas FONLUPT & Géraldine JOIGNEAULT

Tous les crédits photographiques : Stanislas Fonlupt / Géraldine Joigneault

Par ordre d'apparition dans l'article :

1- Christian Olivier, groupe les Têtes Raides, 1999

2- Manu Dibango, 2007

3- Bernard Lubat, 1998

4- Pierre Vassiliu, 1999

5- Shaikh Hamza Shakkur - Ensemble Al Kîndi

6- Richard Galliano, 2007

7- Yann Tiersen - séance photo après un concert en 1997